如题,本人对音乐只知道流行音乐,最近大侠们给介绍的音乐好像都属古典,
我就不是很明白,什么叫古典,什么叫爵士,还有什么叫乡村等等,音乐的定义是怎么区分的???
望大家指教!!!

　　音乐被称作是“声音的美妙组合”。音乐主要由6个要素组成，即：节奏（Rhythm）、旋律（Melody）、结构（Texture）、曲式（Form）、音色（Tone Color）、调性（Tonality）。
　　1、节奏
　　节奏是音乐的一个方面，它包括了与乐音向前进行有关的所有因素（如重音、节拍和速度）。
　　当人们在听音乐音，会不由自主地拍打出的就是节奏，它表现了曲调的快慢缓急。节奏的一个要素是节拍（meter），它的定义是“系统地测定和安排的节奏”。节奏的另一个要素是速度（tempo）。节拍说明什么是重音，但并未说明奏出这些重音的速度是多快或多慢。常见的表示节奏述语有：广板（Large）、非常缓慢庄严而缓慢的（Grave）、慢板（Lento）慢速、柔板（Adagio）、行板（Andante）、小行板（Andantino）、中板（Moderato）、小快板（Allegretto）、快板（Allegro）、很快的快板（Allgero molto）、轻快的（Vivace）、急板（Presto）、最急板（Prestissimo）。
　　节奏的运用对音乐的影响极大。
2、 旋律
　　　旋律是由连续演奏的一些音符所造成的，旋律是音乐所要表达的意思同，它是人们想要听的东西。从技术上讲，人们可以创造出两个音符的旋律，我们可从二种不同种类鸟的叫声中可以听到两个单音。人们不用任何其他声音，也不用任何伴奏，就可以哼出、唱出、吹出这两个音来。旋律历来以一个特定的音为中心，这个直是起始点、核心点和结束点，一首曲子中的其他音都与它有联系
　　掌握某些音乐作品中的旋律较容易一些。与海顿的交响曲的古典旋律相比，舒曼的交响曲的浪漫旋律更加热情奔放，抒发个人感情。一首成功的作品不必采用很强的旋律，但是动听的、容易哼唱的旋律，总会给予普通的外行听众更多的欢乐。许多没有研究或分析过音乐的人，很容易被擅长旋律的作曲家的曲子所吸引。
　　3、结构
　　　旋律是横向的，音符一个接着一个，而结构是附加在这个音符线上的东西。取得结构的一个方法是使用和声（harmony）。一个人不能给自己的声音配上“和声”，他需要一位朋友与他一起唱，或者需要一把吉他来弹拨，有了和声使乐曲具有深度，旋律是一连串乐音，而和声却是同时响起的乐音。
　　结构中的和弦（chord）是指同时发出三个或三个以上的音，它在和声中扮演重要角色。和弦不仅涉及到每个和音以及每个和音同它所配合的旋律之间的关系，而且还涉及到和音的律动和彼此的关系。
　　在用旋律加和弦构成的音乐作品中，和弦往往是由“协和”（consonant）音，即听起来悦耳的、平和的、不刺激人的、稳定的乐音所组成的。但是和弦也可以用音级不断变化、确实刺耳的乐音——即“不协和的”、“活跃的”、“不平稳的”乐音所组成，这种不协和的和弦被作曲家用来制造紧张状态，而协和的和弦则被用来缓解这种紧张状态、从一个和音到另一个和音的前后律动，就是和声的全部内涵。
　　　4、曲式
　　曲式被称之为作曲家选择的‘建筑”形式。音乐需要一定的结构，音乐的每一时期都体现了特定的音乐形式，反映出时代的特色、对音乐知识的理解、作曲家的技巧和所要达到的目的，以及听众的欣赏品味。
　　音乐的结构或模式可以是严谨的，也可以是自由的。作品采用严谨的曲式并不说明作曲家缺乏想象力或独创性，如巴赫、莫扎特和贝多芬的作品就是如此。问题不在于采用什么曲式，而在于赋予曲式什么内容。对于业余音乐爱好者来说，那些作品模式、结构或曲式不正规的音乐不但难以跟上思路，而且不容易理解，这个道理就同我们欣赏抽象派雕塑和无韵诗时的情形一样。
　　一些主要的曲式名称，如交响曲，因其仍在流行，所以人们一般都知道，但一些较古老的曲式人们则比较陌生。音乐界人士喜欢说，不论采用什么曲式，音乐作品结构的基本法则是重复和对比。
　　　“曲式”一词还将包括如歌剧（opera）、神剧（oratorio）、弥撒（mass）和清唱剧（cantata）等声乐艺术形式。
　　5、音色
　　音乐演奏中所使用的每一件乐器都有自己的音色。例如，长笛的音色与大号就不相同，即使这两样乐器演奏完全一样的音符。例如一个管弦乐团中有几十件各不相同的乐器，它们就像美术家调色板上的色彩一样多，这些音色在配器法中起重大作用，配器就是为管弦乐团作曲的方法。
　　俄罗斯浪漫主义作曲家里姆斯基科萨科夫，他说：“配器是作品灵魂的一部分。一首为管弦乐团想出的作品，是离不开某些音色的”。音乐界人士有时喜欢把各种音质等同于特定色彩，如竖笛能发出一种类似柔和蓝色色调的声音，而小号发出的声音则像火红的色调......。
　　各种乐器有音色不同，其个性的表现则更这突出：
　　小提琴——表现所有情感
　　中提琴——表现浓浓的愁思
　　大提琴——表现所有情感，但比小提琴所表现的更加强烈
　　短笛——表现狂欢
　　双簧管——表现质朴的欢乐和悲怆
　　小号——表现大胆、勇武和骑兵渐近的声音
　　大号——表现力量和粗扩
　　英国管——表现朦胧的愁思
　　竖笛——在中音区表现流畅和温柔
　　浪漫主义时期的作曲家的作品则更注意音色，在讲述故事、描绘心境或事件的音乐上，充分利用现有的，或者有可能得到的乐器的不同声音的音色来表现。
　　6、调性
　　调性对于业余音乐爱好者来说较难理解。当我们拨动一根弦受到拨动时，它会发出固定领率的声音，发声时这根弦的每秒振动次数相等。钢琴的最低音每秒振动30次，最高音每秒振动40次。不论琴弦长短，经拨动后它所发出的声音和其一半或两倍长的琴弦发出的声音几乎一样，这两根或短或长的弦分别发出高于或低于第一根弦所发出的声音，但三根弦的音却是相同的。钢琴上的一个音，如Ｃ音，即能在键盘的高音部找到相同的高音己也能在低音都找到相同的低音Ｃ。数百年前，西方作曲家把一根弦的长度分成12段。虽然在小提琴上看不出来，但却能在钢琴上找到代表这个12个音的7个白键和5个黑键，这12个健代表了传统西方音乐使用的12个音。每个键，不论白键还是黑健，都与相邻的键相差半音。
　　大家都知道，7个白键分别是由字母表上的前7个字母的名称命名的，从Ａ到Ｇ。每个突起的黑键有两个键名。当它处于比白键高的位置时，称为升半音，反之称为降半音。因此，在键盘图上升Ｃ和降Ｄ是同一个黑键。这个键盘图还说明，钢琴上的五个白键，即Ａ、Ｃ、Ｄ、Ｆ、Ｇ，它们的右侧都有一个升音的黑键，而其他两个，Ｂ和Ｅ，则没有。两个毗邻键之间的音差仍是半个音高，不论它们是白白、白黑还是黑白相连怕永远不会出现黑黑相连的情况）。因此，Ａ键（白键）和Ｂ键（白键）之间相差一个全音，因为中间有一个黑键。而Ｅ键和Ｆ键，虽同为白键，但只相差半音，因为中间没有黑键。一位钢琴家从白色的Ｃ健开始弹奏，并且只用7个白键，我们会听到熟悉的“do-re-mi-fa-sol-la-ti-do”自然音阶。由于他选择了 Ｃ作为起点，并且只用这几个键弹奏一个曲调，加上和弦，那么这首曲子就是“Ｃ大调”乐曲。Ｃ大调和其他调不同，仅包括白键，如果他仅弹奏白键，那他就是“完全忠于调性”，他没有“放弃”或“失去”调性。他的作品将以他选择的音阶的第一个音为中心，在本例中，就是Ｃ。这个Ｃ音是“主音”。“调性”反映了属于一个调的和弦与和声的关系。

音乐爱好者如何欣赏音乐、理解音乐
　　音乐要通过音响进行重放，而音响则需要音乐的重放进行品质的评价。在日常生活中，没有什么比音乐更能生动地表达人的心声，也没有什么比音乐更能直接的打动人的内在情感。在快乐时音乐优美的旋律使人们如痴如醉，忧伤时它如泣如诉的声音给人们以共鸣，孤独时惟有它真诚的陪伴着人们度过寂寞的长夜，失去了音乐，人生就失去了美丽的诗意和浪漫。

　　音乐是没有地域、时空、国界之分，所有的音乐都是一样，都是作者想要表达一种情感而写成的，对于音乐的理解也视乎个人感觉而定，并不是人们通常想象的那样其中的必有什么含义。后人在解释音乐时，也许是为了让大家更好的欣赏音乐，总加上一个具体的含义。其实，在欣赏之前大可不必被这些外物先入为主，应该着重于音乐本身给自己一种什么样的体会，激起了什么样的情感，并允许每个人有不同的理解。所以，开始必须是听作品，而不是先从评论家的评论入手，如果要更好地理解音乐，再也没有比倾听音乐更重要的了。

　　经常可以听到一些喜欢音乐的朋友说“自己很喜欢音乐，可是对音乐一窍不通，不知道如何欣赏，只是喜欢听”。音乐是一种寓于时间中的艺术，它像一本小说，只是小说里描述的事情比较容易记住，某一方面是由于它叙述了实际发生的事情，而另一方面是由于人们可以回过头来重新回忆这些情节。音乐所描述的“事情”从本质上说是比较抽象的，要像读小说那样把它们在自己的想像中聚集在一起并不那么容易，因此必须能够辨认一首曲调，因为在音乐中取代情节地位的一般是旋律，旋律是聆听者的向导。如果开始就不能辨认一首音乐的旋律，后来又不能自始至终追随它的行踪，只不过是模糊地感觉到音乐的存在而已。如果能够辨认一首曲调意，则味着欣赏者知道自己正在听的乐曲是该曲的哪个部分，并很有可能知道此后你将听到什么，这则比单纯的喜欢听音乐又深了一层，以更明智的方法去理解音乐。

人们欣赏音乐从通俗的意思上来讲，首先是对音乐的音响感知即对音乐音响的辨别，如旋律、节奏与节拍、调式与调性，速度与力度、音区与音色、和声、复调、结构与曲式、体裁、乐器等等，组合化理解音乐的无穷变化。其次是对音乐欣赏的感情体检，它借助于标题音乐和文字提示体验，结合欣赏者自身的生活经历体验。再次就是音乐欣赏的联想与想象，在此基础上的理解、认知、升华。联想与想象是人类生活中的一种重要的心理活动，当我们体验和感受音乐音响和情感时，会被唤起一种对相关生活情形和意境，以及情感的情绪记忆的心理活动。例如：德彪西《月光》，贝多芬《第五交响曲（命运）》，舒伯特《幻想交响曲》，聂耳《义勇军进行曲》等。

　　下面的六个步骤是一般人们在欣赏音乐的过程。
　　(1) 感官感受（感受）--情感共鸣（动情）--理性赏析（理解）--审美鉴评（鉴赏）
　　(2) 感官感受：聆听，一般的欣赏，接受初步美感。
　　(3) 情感共鸣：倾听，情感的感受，美的享受，高度初步升华，感受印象加深。
　　(4) 理性赏析：审听，加强理性与感性的认识。
　　(5) 鉴赏：达到审美阶段，可以与作品分析相结合，进入理论分析的层次。
　　(6) 升华：陶冶情操。

　　如果从专业一点的角度去讲，我们每个人都根据自己不同的艺术修养及欣赏能力去倾听音乐，从某种意义上说，是在三种不同的阶段上倾听音乐的，即美感阶段；表达阶段；纯音乐阶段。

　 （1）美感阶段
　　倾听音乐的最简单的方法就是纯粹为了对音响的乐趣而倾听，这就是美感阶段。在这个阶段听音乐，不需要任何方式的思考，我们在干别的事情时，可以把音响打开，便心不在焉地抗浸在音乐中了，这时单凭音乐的感染力就可以把我们带到一种无意识的然而又是有魅力的心境中去了。 此时会忘掉自己，把音乐作为一种安慰或解脱，使人们进入了一个理想世界，在这个理想世界中人们无需思考日常生活中的现实。这种美感实际上就是人们常常说的对音乐的喜欢，或者说听了音乐以后在心情上的一种“舒服”。
　　音乐音响的感染力是一种强大的和原始的力量，美感阶段在音乐欣赏中占有非常重要的位置。

　　（2）表达阶段
　　所有的音乐都有表达能力，有的则是表达的重点不同，有的强一些，有的弱一些，所有的音符后面都具有某种涵义，而这种涵义构成了具体作品的内容。在不同的时刻，音乐表达了安详或洋溢的情感、懊悔或胜利、愤怒或喜悦的情绪。它以无数细微的差别和变化表达其中的每一种情绪以及许多别的情绪，它甚至可以表达一种任何语言中都找不到适当的言词的涵义。当人们在欣赏一段悲伤的音乐时，可围绕着这个主题在自己的头脑中构成一幅感情的框框，尽力抓住它的确切的悲哀的性质，是悲观主义的悲哀还是听天由命的悲哀；是致命的悲哀还是带微笑的悲哀.........。
　　　当然，音乐不只表现一种情绪。以贝芬的《第九交响曲》的第一主要主题为例，很明显，它是由不同的成分构成的，叙述的也不只是一件事。然而不管是谁听它，都会马上有一种力量的感觉，一种力量的感觉，这种感觉并不单纯出于演奏的强大音响效果，这是音乐主题本身所固有的力量。
　　读者现在也许会进一步了解我所说的音乐确实能表达一种涵义，但又不能用很多言词来说明其涵义是什么。

　　（3）纯音乐阶段
　　音乐除了令人愉快的音响效果和所表达的感情外，确实存在于音符和对音符的处理之中，大多数聆听者并不能充分意识到这第三阶段。
　　人们可能都有这样的体验，当听到节奏强烈的迪斯科音乐时，会不由自主地跟着音乐的节奏摆动，实际上人们注意地聆听“音乐”时，他很可能会注意到这首曲子的旋律，他听到的是一首美妙的旋律，同时他注意到的还有节奏，特别是如果那种令人兴奋的节奏。
　　如果音乐欣赏者有了一定的欣赏修养，则更多地在纯音乐阶段感受音乐，这一点非常重要。较为理想的聆听者必须准备加强自己对音乐素材及其发展情况的意识，必须更有意识地聆听旋律、节奏、和声及音色。同时，为了追随作曲家的创作思路，必须懂得一些音乐曲式的原理。
　　在欣赏音乐时不可单独在一个阶段上聆听音乐，必须使各个阶段相互联系，并同时以三种方式聆听音乐。从某种意义上说，理想的聆听者是同时既能进入音乐又能超脱音乐的，他一方面品评音乐，一方面欣赏音乐，希望音乐向这一方面进行，又注视着音乐向另一方向进行........。就像作曲家在创作音乐时那样；因为作曲家为了谱写自己的乐曲，也必须进出于自己的乐曲，时而为它所陶醉，时而又能对它进行冷静的批评。所以，欣赏者应当更积极地去聆听音乐，不管听的是莫扎特的还是贝多芬的作品，只有当你成为更自觉的、更有意识的聆听不仅在听，而且在听某些事物的时候才能加深对音乐的理解。

受教育了。